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Mosaico de Justiniano y su séquito

2011-11-03T13:20:00.000-07:00

Retrato de Justiniano y su séquito. Mosaico bizantino del siglo VI ubicado en uno de los laterales del ábside de la Iglesia de San Vital de Rávena.

La obra nos muestra una galería de personajes. El lugar central lo ocupa el emperador Justiniano que aparece flanqueado por su general Belisario a su izquierda y Maximinianus, obispo de Rávena, a su derecha; otros personajes serían varios religiosos portando objetos para celebrar la Eucaristía como la Biblia o el incensario al lado derecho del espectador y al izquierdo asesores, ministros y militares portando lanzas y un escudo con el símbolo de Cristo. Esta dualidad entre elementos religiosos y civiles es también evidente en la figura de Justiniano que aparece vestido con un manto púrpura y tocado con la corona imperial, símbolos de su poder terrenal, a la vez que su cabeza aparece rodeada por un nimbo y porta en sus manos el pan para celebrar la Eucaristía, elementos que aluden a su naturaleza sagrada y su función como protector de la iglesia.

La técnica del mosaico consiste en rellenar la superficie a decorar a base de pequeñas piedras de colores denominadas teselas. Todos los personajes aparecen alineados y sobre un fondo plano lo que demuestra la falta de interés por la perspectiva, además aparecen representados de frente y denotan el hieratismo típico de esta etapa.

Finalmente podemos destacar la riqueza cromática de la obra y el gusto por representar gran número de detalles como vestimentas, objetos litúrgicos, broches, sandalias, coronas, escudos,…

Rávena es una ciudad italiana que durante el reinado de Justiniano se convertirá en la capital occidental de Bizancio. La Iglesia de San Vital fue mandada construir por el propio emperador en el siglo VI, aunque nunca llegaría a visitarla. En la misma iglesia se pueden apreciar otros importantes mosaicos bizantinos, destacando en el otro lateral del ábside el retrato de Teodora, mujer de Justiniano, que también aparece rodeada de las damas y distintos personajes de su séquito.

La Victoria de Samotracia

2011-10-30T12:24:00.000-07:00

Escultura griega del periodo helenístico (siglo III al siglo I a.C.). Pertenece a la Escuela de Rodas y, actualmente, se encuentra en el Museo del Louvre de París.

Se esculpió para conmemorar el triunfo de los habitantes de Rodas en la batalla naval contra el rey Antioco III de Siria.

Es una escultura original de bulto redondo realizada en mármol. Representa a una Niké o Victoria, mujer con alas, que se yergue sobre la proa de un barco. La estatua que ha perdido la cabeza y los brazos viste una túnica transparente que el viento hace que se pegue a su cuerpo insinuando, de forma sensual, sus formas redondeadas. Fiel a la escuela de Rodas, la composición es abierta y dominan las líneas diagonales y curvas que acentuan el movimiento y el barroquismo propio de esta escuela y de este periodo. A ese barroquismo contribuye también el contraste de luces y sombras.

El autor se basa en modelos clásico anteriores, percibiéndose la influencia de Fidias en la técnica de los paños mojados. La Victoria de Samotracia es uno de los ejemplos más notables de la escula de Rodas del periodo helenístico , escuela que destaca por su grandiosidad, complicadas composiciones o movimientos dramáticos del que sin duda otro magnífico ejemplo sería el grupo de Laoconte y sus hijos.

Pedro Pablo Rubens

2011-06-16T12:18:00.000-07:00

Rubens nació en Siegen (Alemania). Su padre, protestante, era jurista en Amberes y por causa de la guerra con los españoles y problemas religiosos la familia debe huir de la ciudad. Rubens pasará su infancia en Colonia hasta que a la muerte de su padre, la familia vuelva de nuevo a Amberes con la condición de que se conviertan al catolicismo.

A los 15 años entra a trabajar como aprendiz en el taller de Otto Van Venn, uno de los paisajistas más reputados de Amberes; a los 21 se convierte en maestro del gremio de artistas de San Lucas y a los 23 viaja a Italia, auténtica escuela de pintores. Durante ocho años descubre las esculturas clásicas de Roma y se inspira en los colores de los pintores venecianos y del Renacimineto italiano. Trabaja para el duque de Mantua para el que pinta varios retratos y decora iglesias. En 1603 acompaña a una expedición que transporta regalos para Felipe III, rey de España. Este viaje le permite iniciar su labor como embajador y conocer obras de Tiziano que copiará.

Poco a poco Rubens se convertirá en uno de los pintores más importantes de su época y paradigma del estilo Barroco. A los 32 años su reputación hace que sea nombrado pintor del Archiduque Alberto y de su esposa la Infanta Isabel, soberanos de los Paises Bajos.

En 1603 se casa con Isabelle Brandt con la que tendrá tres hijos y empieza a recibir encargos importantes como el tríptico de La Elevación y El Descendimiento para iglesias de Amberes con las que cosecha gran éxito que le permiten comprar una gran casa en esta ciudad que convertirá en un auténtico palacio donde instalará su taller. En esta época recibe gran número de encargos que no hubiera podido asumir sin la ayuda de sus discípulos y colaboradores entre los que destacan Antoon Van Dyck o Jacob Jordaens.

Rubens es nombrado caballero por el rey de Inglaterra Carlos I, recibe encargos importantes de la reina de Francia María de Médici y del rey de España Felipe IV. El pintor es también un hombre culto, de formación humanista, que habla varios idomas y un hábil diplomático que se relaciona con las clases dirigentes de la sociedad. Discreto, amable y persuasivo, es enviado en varias ocasiones en misión secreta por los monarcas europeos.

Con 53 años, Rubens se casará con Helena Fourment de 16 años, una bella joven, hija de un famoso mercader de sedas y tapices, con la que tendrá cuatro hijos más. Helena se convertirá desde ese momento en la principal modelo del pintor tanto para sus santas como para sus venus. La felicidad conyugal que vive el artista en estos años se expresa en cuadros como El Jardín del Amor.

Sus últimos cuadros son encargos de la monarquía española e inglesa. Rubens fallece en su casa de Amberes en 1640, a punto de cumplir 63 años.

Ningún pintor encarna el Barroco mejor que Rubens con un estilo caracterizado por un dramático movimiento, emociones profundas, la representación sensual del cuerpo humano, los colores brillantes y una pincelada libre y fluida que aprendió de pintores como Rafael, Miguel Ángel, Tiziano, Caravaggio o Veronés.

Dominó todos los formatos y géneros: retratos, pintura religiosa, temas mitológicos, paisajes y bodegones.

Su obra influyó a generaciones enteras de pintores posteriores hasta los románticos franceses del siglo XIX.

Escultura románica en España

2011-06-02T13:41:00.000-07:00

Introducción

El arte románico es un arte fundamentalmente religioso, propio de una sociedad teocrática y feudal que se desarrolla en Europa durante los siglos XI y XII.

La pintura y la escultura es parte indispensable y complementaria de la arquitectura, inundando los edificios al contrario que en épocas anteriores.

Las artes figurativas tienen dos funciones: una estética y otra didáctica. La función didáctica es esencial, ya que pretende difundir el programa ideológico cristiano entre una población mayoritariamente analfabeta; lo que hace que se mantenga y potencie el carácter simbólico de las representaciones.

Características:

Adaptación al marco, la forma se subordina al esquema geométrico que impone la arquitectura.
Horror vacui, se rellena y decora todo el espacio disponible.
Prioridad de la función didáctica sobre la estética.
No hay interés por las proporciones naturalistas y se opta por una expresividad esquemática y por la carga simbólica y alegórica de las imágenes.
Ausencia de perspectiva.
Jerarquía de tamaño.
Marcado hieratismo aunque probablemente la policromía lo suavizaría.

Temas:

El programa iconográfico incorpora las enseñanzas de la Iglesia, el adoctrinamiento, los temas del Antiguo y el Nuevo Testamento (Adán y Eva, el arca de Noé, el sacrificio de Isaac, la Anunciación, la Visitación, la Natividad, la Epifanía, Pentecostés, etc.),

el tema más repetido es el del juicio final, con los salvados y los condenados, el pecado y el demonio. En él aparece toda una estética de lo feo y lo grotesco, que llega a ser cómico.

Materiales:

La escultura monumental de las portadas suelen estar realizadas en piedra caliza, granito o mármol. En la escultura exenta pensada para el interior de los templos usan madera. Hay algunas obras singulares realizadas en marfil.

En la escultura exenta predominan los temas de: el Crucificado y la Virgen. El Cristo crucificado está clavado con cuatro clavos y los pies separados, el cuerpo rígido, sin sentir el peso y adaptándose al marco. La virgen se representa preferentemente sentada con el niño en brazos.

La Portada Románica

La portada es la parte del edificio donde se concentra más decoración escultórica.

El tímpano suele decorarse con el pantocrátor y el tetramorfo, pero también otros temas. Las arquivoltas suelen decorarse con motivos geométricos como ajedrezados, clavos y besantes. El dintel y las jambas y el parteluz se adornan con figuras de santos, apóstoles o profetas.

Cronología y obras importantes

Siglo XI

En Castilla, las primeras manifestaciones escultóricas aparecen ligadas a labores musulmanas en marfil, destacando el foco de León donde se realizan piezas del categoría del Crucifijo de Don Fernando y Doña Sancha (1603. Museo Arqueológico Nacional) muestra un Cristo de sorprendente expresividad con sus grandes ojos y sujeto por cuatro clavos a una cruz ricamente ornamentada.

Respecto de la escultura monumental, en la zona leonesa destacan los capiteles del Panteón Real y las puertas laterales del Cordero y del Perdón de San Isidoro de León.(hacia 1090)

La puertas de las Platerías de la Catedral de Santiago, es la obra capital de la escultura española de fines del siglo XI y comienzos del XII. Atribuida al maestro Esteban, tiene un programa iconográfico alusivo a la naturaleza humana y divina de Cristo.

También es fácil de apreciar la transición del siglo XI al XII y el cambio de estilo en los relieves del claustro de Santo Domingo de Silos. Los capiteles, relacionados con la escuela francesa, muestran animales fantásticos, pero las obras más importantes se encuentran en los machones de las esquinas en los que podemos comparar el trabajo de dos maestros en dos siglos distintos: En la incredulidad de Santo Tomás (finales del siglo XI) la composición se adapta completamente al marco arquitectónico y las figuras ofrecen acusada isocefalia a la vez que revelan la antigua ley de majestad (mayor tamaño de la figura de Cristo que la de los apóstoles), en relieves como el árbol de Jesé o la Anunciación (siglo XII) ha desaparecido la anterior rigidez, se ha incrementado el claroscuro frente a la planitud anterior y la composición demuestra mayor independencia del encuadramiento arquitectónico.

Siglo XII

En el siglo XII el desarrollo de la escultura fue mucho mayor a la vez que se avanza hacia el naturalismo gótico.

En Cataluña destaca la portada del monasterio de Ripoll (mediados del siglo XII), totalmente cubierta de relieves que componen un amplio programa iconográfico en el que se mezclan representaciones religiosas y profanas con temas de animales.

Pero las obras más destacable se producen a partir de la segunda mitad de la centuria, época en la que trabajaron los llamados maestros de la transición:

El más antiguo es el maestro de la Cámara Santa de Oviedo (1170-1180) que ejecutó un magnífico apostolado adosado a los fustes de las columnas y cuyas figuras parecen ya mantener un diálogo entre sí a diferencia de la total incomunicación de las tallas precedentes, al tiempo que los rostros y las vestimentas atestiguan un mayor naturalismo e individualización.

Pero el conjunto más importante de la escultura románica española de fines del siglo XII y claro anticipo del naturalismo gótico es el Pórtico de la Gloria de la catedral de Santiago de Compostela que fue acabado en 1188 por el maestro Mateo. Algunos autores hablan de una escultura protogótica a la vista del naturalismo de los rostros y las actitudes y la forma de plasmar las vestimentas.

El pórtico está compuesto por tres arcadas que se apoyan en pilares con columnas adosadas decoradas con figuras policromadas de apóstoles y profetas. En las arquivoltas del arco central se representan los veinticuatro ancianos del Apocalipsis que tañen diversos instrumentos musicales y conversan entre sí. El tímpano central, apoyado sobre un parteluz decorado con el tema del árbol de Jesé y la estatua del Apóstol Santiago, muestra al Salvador acompañado de ángeles , así como del Tetramorfo.

Los órdenes clásicos

2011-05-29T06:57:00.000-07:00

El interés de los griegos por la geometría, la proporción y la búsqueda de armonía entre las distintas partes de un edificio tiene como consecuencia la creación de tres estilos u órdenes que conforman su arquitectura: el dórico, el jónico y el corintio.

El orden dórico es el más sobrio de los tres, se caracteriza por sus columnas acanaladas rematadas por un capitel simple compuesto de dos partes: ábaco (bloque rectangular) y equino (elemento circular); el frontón triangular, rodeado por la cornisa que lo enmarca, reposa sobre el entablamento dividido en dos volúmenes horizontales: el arquitrabe, que en este orden es liso, y el friso compartimentado en triglifos y metopas.

En el orden jónico, las columnas, más delgadas y finamente talladas, reposan sobre una base y sostienen un capitel con volutas. En este orden el arquitrabe se divide en tres bandas horizontales denominadas platabandas y el friso corrido puede ser liso o estar decorado con relieves.

El orden corintio es, en realidad, una variación del anterior, con capiteles decorados con hojas de acanto.

La dama del Armiño. Leonardo da Vinci

2011-05-24T22:28:00.001-07:00

La obra nos muestra el retrato de la joven de diecisiete años Cecilia Gallerani, amante del duque Ludovico Sforza “El Moro”. Es un óleo sobre tabla y desde el siglo XVIII la crítica se lo atribuye a Leonardo da Vinci que convivió con la joven en el palacio del duque en Milán.

La pieza nos muestra un soberbio retrato renacentista (uno de los cuatro retratos femeninos que hizo Leonardo de los cuales sin duda el más popular sea La Gioconda) con una composición piramidal que incluye un movimiento en espiral que asciende por la cabeza y refleja el interés de Leonardo por la dinámica del movimiento; también destaca el estudio anatómico de las manos, el rostro y el cuello; y esa atmósfera que envuelve todas las figuras de Leonardo (el famoso sfumato).

Afortunadamente el retrato de la bella Cecilia nos ha llegado casi inalterado, no así el fondo negro que está repintado. La composición original sería con una ventana en la parte derecha de donde procede la luz que baña el rostro de la joven.

Sobre el animal que acompaña a la joven hay varias interpretaciones: aunque popularmente se identifica con un armiño, símbolo del duque Ludovico y su color blanco podría hacer alusión a la pureza y equilibrio de la dama que sabemos que interpretaba música y escribía poesía, más bien parece que se trata de un hurón, animal de compañía muy popular en la Edad Media y el Renacimiento.

Actualmente el cuadro se expone en el museo Czatoryski de Cracovia (Polonia) aunque durante la segunda guerra mundial fue requisado por los nazis que lo enviaron a Berlín.

El impresionismo

2011-05-23T13:24:00.000-07:00

Introducción

El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón Parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente "in situ", no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces.

En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica.

Algunos de estos pintores que se revelan contra el arte académico organizan una exposición en Paris en 1874, entre ellos Monet que tituló a uno de sus cuadros “Impresión, soleil levant”. Esta palabra fue recogida burlescamente por la crítica que bautizó a los nuevos pintores como impresionistas.

Características

Temas: fundamentalmente el paisaje (la luz, el aire, el agua) y en menor medida la figura humana y la actualidad.
Técnica: rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica.
Uso de la luz y el color: evitan el claroscuro y sus contrastes violentos y eliminan el negro, grises, los pardos y tierras, el resultado es una paleta más luminosa (azules, verdes, naranjas, amarillos, rojos y violetas).

Precursores:

Lejanos:

Pintores venecianos del Renacimiento: Giorgione y Tiziano. Factura libre con reflejos luminosos.
El Greco con sus pinceladas fragmentadas formando manchas vibrantes.
La libertad de la factura de la obra de Velázquez
El uso preferente otorgado a la luz y al color de Rubens.
El tachismo coloreado de Goya

Inmediatos:

Los paisajistas ingleses: Constable y Turner preocupados por plasmar los efectos atmosféricos (la, luz, la niebla, el viento) sobre la naturaleza.
Corot se interesa por la búsqueda de paisajes sumergidos en brumas.
Courbet preocupado por la luz y su intensidad

Pintores impresionistas:

La obra de Edouard Manet (1832-1883) es trascendental en la formación del impresionismo y se le considera abanderado e inspirador del movimiento.

A pesar de sus analogías con los impresionistas, nunca adoptó totalmente su estilo, ni se comprometió con el movimiento, ni participó en sus exposiciones.

Los impresionistas le admiraban por la importancia que daba a la luz y sus temas reales y cotidianos. Pero, a diferencia de ellos, no suprimió de su paleta el blanco, el negro y el gris, sus pinceladas no se fragmentan, la mayoría de sus cuadros están creados en su estudio y trabajó el paisaje pero con figuras.

En sus primeras obras se refleja la influencia española de Velázquez y Goya, Influencia que perduraría en obras posteriores: El Pífano y El Balcón

Sus obras expuestas en el Salón de los Rehusados fueron motivo de escándalo por sus desnudos realistas: El desayuno sobre la hierba (1863) y Olimpia (1865)

A partir de 1870 debido a la admiración que sentían por él los pintores impresionistas se acercó cada vez más a este movimiento: Orillas del Sena en Argenteuil y El bar del Folies-Bergère.

Claude Monet (1840-1926) es quien verdaderamente define el Impresionismo. Fue miembro fundador del movimiento y se mantuvo fiel a este estilo en toda su trayectoria artística.

Monet defendió el método de la pintura al aire libre, el enfoque en el paisaje como tema principal y la representación pictórica de las propiedades de la luz

Un momento clásico en la pintura de Monet es su estancia en Argentueil en 1874.

Característica en su producción serán las series sobre un mismo tema pintado a distintas horas del día y en distintas estaciones del año a fin de estudiar los diferentes efectos que produce las luz sobre los objetos.

Obras significativas: Impresión soleil levant (obra que da nombre al grupo), La estación de San Lázaro, Regatas en Argentueil, Serie sobre la Catedral de Ruan, Serie sobre los nenúfares,…

Edgar Degas (1834-1917) fue una de las figuras más destacadas del impresionismo francés. Aunque comenzó su carrera dentro del arte clásico, fue seguidor de Ingres.

Centro su obra en el estudio de la figura humana y el movimiento, siendo célebres sus cuadros sobre bailarinas y también sobre el mundo de las carreras de caballos.

Participa en las exposiciones de los impresionistas entre 1876 y 1881.

La principal diferencia entre Degas y los impresionistas fue su rechazo a adoptar la técnica de pintar al aire libre.

Su obra más famosa es la Clase de danza (Museo de Orsay).

Auguste Renoir (1841-1919) Es uno de los más célebres artistas del movimiento impresionista.

Sus primeras obras celebran la alegría y la belleza de la vida cotidiana, evolucionará luego hacia temas más tradicionales como el retrato y las composiciones con figuras, dando cada vez más importancia al dibujo lo que le aleja de los impresionistas.

Su obra más famosa es Baile en el Moulin de la Gallete (Museo de Orsay).

Tras duras discusiones en 1882 el grupo de los impresionistas recobró una inesperada unidad; organizaron la séptima exposición y sólo Degas sin abandonar la sociedad prefirió no exponer.

En 1886 tuvo lugar la última exposición colectiva. La gran novedad artística de esta octava exposición fueron los divisionistas o puntillistas . El cuadro La Grande Jatte de Seurat causó sensación. El método pictórico de los puntillistas se inspiraba en las investigaciones más recientes sobre percepción óptica y se caracterizaba por la aplicación del color puro en puntos pequeños.

Pisarro insistió en incluir a dos jóvenes artistas puntillistas: Seurat y Signac que no complacían a los demás. Su presencia y la de Gauguin, que ya había participado en más exposiciones, llevó a Manet a retirarse, seguido de Sisley y Renoir.

Los grandes innovadores no supieron aceptar las propuestas de la nueva generación.

El Romanticismo

2011-05-22T12:35:00.000-07:00

Introducción

Movimiento artístico y cultural de origen inglés, alemán y francés que se extiende desde los últimos años del siglo XVIII hasta 1840.

Durante este periodo, desde un punto de vista artístico, la razón deja de importar a favor de los sentimientos, la intensidad emocional y la expresión subjetiva. La pintura se convierte en el vehículo para expresar los sentimientos extremos y apasionados, encontrados y melancólicos.

El periodo más importante de esta movimiento, que culmina con el apogeo de los pintores más reputados será el que va de 1824 a 1840.

Características de la pintura romántica

Profundo amor por el color frente a la predilección por el dibujo de los pintores neoclásicos.
Dramáticos contrastes de luz que favorecen la expresión de sentimientos exaltados.
Composiciones desequilibradas y complejas que les aproxima al Barroco (estilo despreciado por el neoclásico)
Temas: Históricos y literarios, los lugares exóticos, el retrato y el paisaje que se impregna de emociones humanas, de misterio y de poesía.

Principales artistas

Romanticismo francés:

Théodore Géricault (1791-1824). Encarna al artista romántico por excelencia. Contemporáneo de David, se aleja absolutamente de su forma pictórica. Tuvo una vida corta y atormentada. Viajó a Italia y estudia a Miguel Ángel y a Inglaterra donde conoce la obra de Constable. Gran colorista que imprime a sus obras gran energía y furor.

Su obra más importante es La balsa de la Medusa (1819. Museo del Louvre. París). El barco naufragó frente a las costas africanas y un pequeño grupo de los pasajeros sobrevivió gracias a una balsa. Los supervivientes fueron presas del hambre, la sed, la insolación y las enfermedades. Murieron muchos y el resto sobrevivió comiendo los restos de los cadáveres.

Géricault planteó un cuadro de casi cinco metros de alto y más de siete metros de ancho. Hizo numerosos bocetos y estudios previos sobre cadáveres y restos humanos sacados de cementerios y ejecuciones públicas.

Eugène Delacroix (1798-1863). Marcó con su genio tanto el romanticismo como el siglo XIX. De familia burguesa, admirador de Gericault. Se caracteriza por los colores vivos y pincelada enérgica. Muestra predilección por los temas dramáticos y el exotismo oriental. Su estilo es nervioso y apasionado, traduce las formas con el color sirviéndose de un estilo resuelto y vigoroso.

Amigo de escritores como Stendhal, Víctor Hugo, Dumas o Baudelaire y apasionado melómano se relaciona con Frederic Chopin, Franz Liszt o Franz Schubert. En 1825 viaja a Inglaterra donde pasará tres meses estudiando a los pintores ingleses, especialmente a John Constable, el mayor paisajista europeo de la época.

Entre sus obras destaca La libertad guiando al pueblo (1831. Museo del Louvre. París). El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. La perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrás de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontremos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea.

Romanticismo inglés:

John Constable (1776-1837). Ejerció una notable influencia en los románticos franceses con sus paisajes pintados el natural (precursor de los impresionistas), en los que logra captar la atmósfera real. Sus telas denotan, además, una gran libertad de estilo y técnica.

No manifestó ninguna voluntad de ir a Italia, algo casi imperativo para los pintores de su época.

Obra significativa: El carro de heno (1821. National Gallery. Londres).

William Turner (1775-1851). Confirió a los temas de actualidad una dimensión onírica mediante la eliminación del dibujo y los contrastes entre luces y sombras.

Los protagonistas de sus obras serán la naturaleza y los cambios de luz. Viaja a Italia y conoció Venecia cuya luz dorada se convertirá en la protagonista de sus obras.

Obras importantes: El último viaje del temerario (1839. National Gallery. Londres) y Lluvia, vapor y velocidad (1844. National Gallery. Londres).

Maestros del clasicismo

2011-05-19T00:15:00.000-07:00

Durante el XVI trabajan en Italia algunos de los grandes maestros de la pintura universal. Ellos consiguen con su arte culminar el proceso que habían iniciado los pintores del Quattrocento respecto a la correcta representación del cuerpo humano y el interés por representar la profundidad a través de la perspectiva lineal y el estudio de las luces y las sombras.

Leonardo da Vinci

Prototipo de hombre universal, humanista y científico, se considera uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos.

Se formó en Florencia, en el taller de Verrochio. Trabajó en Florencia, Milán y Francia, donde morirá.

Sus aportaciones más importantes a la pintura fueron las perspectiva a aérea y la técnica del esfumato.

Entre sus obras destacan: La Virgen de las rocas, La última cena o su famoso retrato de la Gioconda.

Miguel Ángel

Considerado uno de los grandes artistas de la historia, destacó tanto en la pintura, como en la escultura, como en la arquitectura.

Realizó su labor artística durante setenta años entre Florencia y Roma, donde vivían sus grandes mecenas: la familia Medici y los diferentes papas romanos.

Su interés fundamental a la hora de pintar será la representación del cuerpo humano, atendiendo fundamentalmente a la anatomía y el movimiento.

Su obra más famosa es la decoración de la Capilla Sixtina donde con casi veinte años de diferencia pintará la bóveda dedicada a la Creación y el testero con el tema del Juicio Final.

Rafael

Es el más joven de los tres maestros del clasicismo. Se formó en Florencia, donde trabajó hasta que el papa Julio II le manda ir a Roma para trabajar en el Vaticano, donde morirá con tan solo 37 años.

Sus obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno, basado en la perfección a la hora de representar la luz, la composición y la perspectiva.

Son famosas sus representaciones de Madonas y, sobre todo, los frescos con los que decora las Estancias Vaticanas, donde destaca la dedicada a la Escuela de Atenas.

Velázquez

2011-05-13T21:18:00.000-07:00

Diego Velázquez nació en Sevilla en 1599. Tras un breve periodo de tiempo en el taller del pintor Herrera el viejo, se formó fundamentalmente en el del que sería su suegro Francisco Pacheco. En esta etapa sevillana cultiva los cuadros de género y religiosos con un estilo realista y una técnica tenebrista. Destacan de este periodo pinturas como “Vieja friendo huevos” o “El aguador”.

Su intención es trabajar para el rey por lo que viaja a Madrid en dos ocasiones hasta que finalmente en 1923 consigue ser nombrado pintor de corte. Su contacto con las colecciones reales hace que su pintura sufra una primera evolución. En esta época realiza fundamentalmente retratos y su primer cuadro mitológico “Los borrachos”. Probablemente sea el pintor Rubens, de paso por Madrid en esta época en misión diplomática, el que le aconseje ir a Italia para contemplar a los grandes maestros italianos.

En 1629 viaja por primera vez a Italia, donde visita Ferrara, Venecia y Roma, esta visita será decisiva en la constante evolución de su pintura. En italia pintará “La fragua de Vulcano”, con eminentes referencias al mundo clásico, y “La Túnica de José” de marcado estilo veneciano.

De vuelta a Madrid se centra en la realización de varias pinturas para decorar el Salón de Reinos del nuevo palacio del Buen Retiro para el que realiza el cuadro histórico de “La rendición de Breda” y varios retratos ecuestres de la familia real. Esta producción de completa con sus soberbios retratos de bufones de la corte y algún cuadro religioso como “La coronación de la Virgen”.

En 1649 embarca de nuevo para Italia con la misión de comprar obras de arte para Felipe IV. En Roma pintará el retrato del papa “Inocencio X” donde demostró su capacidad para captar de manera magistral la psicología del personaje; “troppo vero” (demasiado real) afirmó el papa al contemplar la obra finalizada. Antes de pintar esta importante obra, y a modo de preparación, realizó el sobervio retrato de su exclavo y asistente, el moro “Juan de Pareja”. De este perido también es su “Venus del espejo”, de nuevo un tema mitológico y uno de los pocos desnudos femeninos en la tradición pictórica española. Su estancia en Roma se prolongó más de lo deseado por el rey que en distintas cartas le insiste en que vuelva a Madrid. Finalmente lo hace en 1651.

A la vuelta de italia y con el bagaje adquirido se inicia su etapa de consagración, en la que su técnica se vuelve más suelta y su pincelada más libre. Por otro lado, sus obras se hacen más complejas, menos evidentes, llenas de un conceptualismo propio del barroco. Pinta en este periodo sus dos obras maestras: “Las Meninas”, una obra muy compleja: en apariencia un retrato de la infanta Margarita acompañada por varios personajes de la corte, entre ellos el propio Velázquez, pero en la cual el pintor se muestra como un maestro en el tema de la composición, guiando la mirada del espectador sobre el lienzo; es magistral también la representación del espacio mediante el uso de la luz y la perspactiva aérea; así como en el concepto tan barroco de romper la frontera entre el espectador y la obra a través de todas las miradas de los personajes que nos invitan a entrar en el cuadro; todo ello resuelto con una pincelada completamente libre próxima a la abstracción.

Su última obra será “La fábula de Aracné”, más conocido como las hilanderas, en la que retoma un concepto que ya trabajara en alguna de sus obras de la etapa sevillana: situar en el primer término del lienzo una escena costumbrista, aparentemente intrascendente, conduciendo nuestra mirada al fondo del cuadro donde, fuertemente iluminada, se encuentra el tema principal de la disputa entre Aracné y la diosa Atenea por ver quien es la mejor tejedora de tapices. Sin embargo la técnica dibujística y las formas cerradas de su primera época se han convertido en un portentoso estudio de las luces y de la atmósfera ejecutadas con una técnica a base de pinceladas impresionistas.

La escultura de Bernini

2011-05-12T10:24:00.000-07:00

Juan Lorenzo Bernini (1598-1680)

Nacido en Nápoles, de sangre florentina, se estableció en Roma y es, entre los grandes artistas, uno de los más universales.

Bernini es el representante más importante de la escultura barroca italiana, su estilo marca toda una época y sus obras son la mejor expresión del barroco.

Trabajo principalmente en Roma al servicio de los cardenales y los papas. Gozo de fama internacional y ejerció una gran influencia dentro y fuera de Italia.

El ideal artístico de Bernini aspira a suprimir las fronteras entre el arte y el espectador. Esto es, en realidad, lo que define el arte barroco.

Características de sus obras:

El ideal artístico de Bernini, y el del Barroco en general, aspira a suprimir las fronteras entre el arte y el espectador.

• El movimiento exaltado

• Virtuosismo para representar calidades texturales (piel, ropas, nubes, hojas, rocas,…)

• Profundo realismo a la hora de representar las distintas expresiones de sus personajes.

Obras importantes:

Grupos escultóricos de la Galería Borghese

Obras de juventud de Bernini encargadas por el cardenal Scipione Caffarelli Borghese para su villa de Roma. Común a las cuatro será el movimiento giratorio y ascendente en espiral.

Grupo de Eneas, Anquises y Ascanio. (1618-1619)

Huída de Eneas con su padre a hombros y su hijo pequeño del incendio de Troya

El rapto de Proserpina. (1621-1622)

Bernini se recrea en el cuerpo de la joven y su delicada sensualidad cogida por el brutal Plutón del que intenta liberarse en vano.

En esta obra ya muestra su especial virtuosismo de Bernini en la representación de la piel de sus figuras.

El David. (1623-1624)

Representación del personaje bíblico en el momento de lanzar la piedra contra Goliat. Bernini se negó a representar al héroe bíblico según las normas existentes hasta el momento, y en vez de plasmar el momento estático, después de que haya lanzado la piedra (Donatello y Verrochio) o el gesto contenido y tenso antes del lanzamiento (Miguel Ángel), escoge la fuerza de la espiral.

Bernini se sirvió del Gladiador Borghese como modelo, una de las obras más valiosas de le colección de la antigüedad clásica de Scipione Borghese. Por otro lado, es reconocible en el rostro del héroe que aprieta los labios antes de lanzar la piedra los rasgos del artistas que se autorretrató en esta escultura.

Apolo y Dafne. (1622-1625)

Último encargo realizado para el cardenal. Dafne acosada por Apolo se convierte en un laurel. Bernini representa a los dos personajes jóvenes y bellos en el momento en que Apolo toca a Dafne en su persecución y se convierte en árbol. Se trata de una obra muy dinámica.

Bernini se concentró en el momento en el que Dafne acosada por Apolo, se convierte en un laurel y su expresión representa lo angustioso de la situación.

Al igual que sucede en otra de sus obras, el Rapto de Proserpina, la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

Éxtasis de Santa Teresa es la obra más conocida del escultor y está considerada una de las obras maestras de la escultura del Barroco. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro.

Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol en bronce.

La composición se consigue mediante dos diagonales, que forman un aspa, lo que produce sensación de movimiento; que junto con la fuerte expresividad de la obra denotan su estilo barroco. También Bernini consigue un acusado efecto de contrastes lumínicos (por ejemplo, gracias a los pliegues de las ropas de Santa Teresa). Bernini también construyó la capilla en la que se encuentra esta escultura.

La obra recoge el dramático momento en que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia del éxtasis amoroso (ojos cerrados, boca entreabierta...) producido por la llama divina.

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal sino espiritual aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aún harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo al su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento"

Como retratista, destaca su Busto de Luis XIV. La teatralidad barroca de Bernini atrajo la admiración de la teatral monarquía francesa.

Luis XIV le solicita para que proyectara el palacio real (que no llegó a construirse) y para que, como artista excelso, magnificara el esplendor de su reinado. De esta relación del rey con el artista sólo queda un busto solemne y mayestático que nos presenta al Rey Sol en la pose de un arrogante divo.

Pero donde la teatralidad escénica de Bernini se desborda con mayor brillantez es en las tumbas papales de Urbano VIII y Alejandro VII, ambas en la Basílica de San Pedro. En ellas, las alegorías fúnebres de opulenta escultura se engalanan con mármoles de colores y bronce.

También son famosas sus esculturas y “fontanas” que adornan las plazas de Roma: La Barcaza, El Tritón o Los Cuatro Ríos.

La escultura griega

2011-05-11T13:52:00.000-07:00

Introducción

En Grecia se descubre el poder libre da la contemplación estética. Sin perjuicio de que las imágenes tengan un significado religioso, pueden atraer por su propia belleza. Surge así un sentido autonómico del arte.

El hombre se convierte en el protagonista del arte. Su evolución irá desde un arte casi abstracto en los primeros tiempos a un arte extremadamente realista basado más que en la plasmación de un determinado individuo, en la recreación de un tipo o especie. De ahí que sea un realismo idealizado.

La mayoría de las obras originales se han perdido y hoy podemos tener conocimiento de ellas a partir de copias romanas de épocas posteriores.

La importancia de la escultura griega es capital, ya que será el referente para todo el desarrollo de la escultura posterior en occidente.

Características de la escultura griega

Motivo predilecto de la representación fue la figura humana, mientras que el mundo animal y vegetal quedaron relegados a un segundo plano.

Constante preocupación por representar el cuerpo humano mediante un sistema correcto de proporciones.

Material principal fue la piedra (el mármol), pero a partir del siglo V a. C. se extendió el uso del bronce, mediante la técnica de fundición en hueco.

La escultura solía estar pintada para dotar de mayor realismo a las figuras. Pero sus colores se acabaron desprendiendo y durante mucho tiempo se tuvo la falsa creencia que los griegos preferían el color natural de la piedra a la policromía.

Cronología y Evolución

Periodo arcaico (700 a 500 a. C.)Siglos VII y VI a. C.

Se mantiene el concepto de estatua bloque creado en Egipto.

Los kuroi son estatuas votivas de los atletas triunfadores en los juegos. Están totalmente desnudos. Sus labios permanecen cerrados, llevan larga cabellera, dispuesta radialmente y terminando en rizos sobre la frente. En su rostro se percibe una sonrisa llamada arcaica, que da vida a estas rígidas figuras. Es fácil observar la derivación de modelos egipcios. Los brazos se pegan al cuerpo y las extremidades inferiores, aun cuando se dispongan en plan de marcha tienen las plantas adheridas al suelo. Observan la ley de la frontalidad, según esta ley el cuerpo queda dividido en dos mitades simétricas, pero libres en su movimiento.

Las korai, estatuas femeninas, aparecen vestidas, envueltas en una larga y ceñida túnica (jitón), encima de la cual hay un ancho manto (himation) o un corto chal (peplo). Estas prendas forman infinidad de pliegues. Suelen tener una mano libre y la otra la llevan a la cadera con la que se levantan coquetamente el vestido. En el rostro muestran la misma sonrisa arcaica que los kuroi y el pelo cae en largas trenzas dispuestas en zigzag.

Transición al clasicismo (500 a 450 a.C.)Primera mitad del siglo V a.C.

Los artistas tratan de dar a sus figuras el movimiento natural de la vida y su verdadera configuración anatómica. Su obra representa un estilo menos inflexible que el de las esculturas arcaicas, pero sin la natural movilidad de las obras típicamente clásicas.

Obras importantes:El auriga de Delfos, Frontón del templo de Zeus en Olimpia y Los Tiranicidas

Época Clásico

Periodo Clásico pleno (450 a 400 a.C.)Segunda mitad del siglo V a. C.

Mirón, Policleto y Fidias son los grandes escultores del clasicismo que persigue dos objetivos: la perfecta imitación de la naturaleza, especialmente en el tratamiento del cuerpo humano y una representación idealizada del hombre.

Mirón es cronológicamente el primer escultor clásico. Es un broncista. Estudia el movimiento potencial, sin violencia. Su obra más famosa es el Discóbolo. Aunque maravilló a sus contemporáneos apartándose de la representación de un atleta en reposo, hay algunas reminiscencias arcaicas: el cabello sin relieve, la inexpresividad del rostro que no se corresponde con la acción y la frontalidad.

Policleto fue un gran teórico de la escultura. El cuerpo humano para él era número y proporción. Cada una de las partes del cuerpo debía tener unas dimensiones adecuadas para componer el conjunto armónico e ideal.

Tales teorías están plasmadas en su Doríforo (portador de lanza). Pese a su aparente naturalismo hay mucha reflexión en esta estatua, sus grandes líneas obedecen a trazados geométricos en un afán de definir abstractamente la figura. También es novedoso el modo de mover la figura, conforme a la fórmula del contraposto que es la réplica definitiva al frontalismo.

El Diadúmenos probablemente encarna a Apolo en el momento de colocarse la tenia del triunfo. Carece de la dureza de planos del Doríforo y está más movido.

Fidias es la figura máxima de la escultura griega. Tomando como base lo real, él fue quien consiguió remontarse a más altura ideal. Nacido en Atenas desde la mitad del siglo V se encontraba al frente de los trabajos del Partenón, gozando de la plena confianza de Pericles.

Su obra más importante es la decoración de las diferentes partes del Partenón: los frontones, las metopas y el friso que rodea la cella.

El frontón oriental representa el nacimiento de la diosa Atenea y en el frontón occidental Poseidón disputa a Palas Atenea la posesión de la ciudad.

Las noventa y dos metopas representan principalmente los combates que hubo que librar el rey de Atenas, Teseo, con gigantes, amazonas y centauros para apartarlos de la ciudad.

El tema del friso que rodeaba la cella son las Panateneas, procesión de todo el pueblo de Atenas hacia el templo de su diosa protectora llevándole toda clase de ofrendas en el día de su festividad.

También realizó Fidias diversas estatuas de las que sólo tenemos referencias literarias como la Atenea Lemmia, encargada por los ciudadanos de Lemmos para colocarla en la Acrópolis de Atenas; La estatua gigante de quince metros de altura de Palas Ateneas que se encontraba en el interior del Partenón realizada en la técnica criselefantina (oro y marfil); también de oro y marfil era el Zeus que hiciera para el santuario de Olimpia, del que nos dan idea las monedas. Estaba sentado en un trono y henchido de majestad.

La influencia de Fidias es perceptible en numerosas figuras de esta época como los relieves que decoraban la balaustrada del templo de Atenea Niké en la Acrópolis, hechos ya en las postrimerías el siglo V. El relieve de la Victoria que se ciñe la sandalia presenta una insuperable maestría en la utilización de la técnica de los paños mojados usada por Fidias.

Periodo Clásico tardío (400 a 323 a. C.)Siglo IV a. C.

Tras la derrota de Atenas en la guerra del Peloponeso (404 a. C.) es evidente la crisis de la polis clásica. Los griegos quedan desencantados de los viejos ideales del siglo V. En la escultura se refleja también un estilo más libre y subjetivo frente a la idealización del siglo anterior.

Praxíteles era ateniense. Su arte representa la gracia. Modela sus figuras en mármol o bronce, componiendo formas blandas, suavizando las líneas con curvas delicadamente bellas. El claroscuro tiene un papel importante en su arte. El peinado se hace con grandes mechones, acentuándose el contraste lumínico, diferenciándose de los peinados planos arcaicos y del siglo V.

Sus obras son figuras de dioses pero sus modelos son hombres y representan seres humanos. Así por ejemplo, Friné fue para él una amante y modelo para su máxima creación femenina: la Venus de Cnido.

Sus figuras masculinas tienen un sabor femenino. En ellas gusta Praxíteles de arquear abiertamente el cuerpo, abriendo larga curva. Así ocurre en el Apolo Sauróctonos. El dios está apoyado indolentemente contra un árbol y se dispone a matar a un lagarto.

El modelo masculino más importante de Praxíteles es el Hermes. La estatua representa una escena en la que Hermes con una expresión afectuosa ofrece con su brazo ahora mutilado un racimo de uvas, que el niño Dionisos deseaba coger, indicando sus futuras inclinaciones a la bebida.

Scopas, era original de Paros. Es característico en él su capacidad para revelar las interioridades del alma, como el amor, la sensualidad, la nostalgia, la inquietud,… Tuvo predilección por las representaciones más trágicas. Este ideal aparece expresado en su Ménade, que se halla poseída del furor dionisiaco; en ella vemos su tendencia sensual al abrir provocativamente los vestidos. Otra de sus obras importantes es el Meleagro, en cuyo rostro se ve la expresión trágica anunciadora de su próxima muerte. Para conseguir este patetismo, Scopas hunde los ojos y los inclina hacia arriba, entreabre la boca, que se dispone anhelante y dispone el peinado en mechones abultados y claroscuristas.

Lisipo es el tercer gran maestro del siglo IV, estableció un nuevo canon más estilizado que el de Policleto consistente en el alargamiento de los miembros y la reducción de la cabeza, que es una octava parte de toda la altura.

Posee estas características el Apoxiomenos que representa a un atleta desnudo, con los brazos extendidos hacia adelante, en actitud de quitarse del cuerpo con el estrígiles el aceite que se había dado para competir.

Sus representaciones son preferentemente masculinas como el Ares Ludovisi que aparece sentado en una postura de cómodo naturalismo, impropia de la seriedad de un dios. Su Hércules Farnesio, pese al abultamiento de sus músculos, es también de proporciones lisípeas.

Otra faceta del arte de Lisipo son sus retratos. Fue el retratista oficial de Alejandro Magno del que se le atribuyen diversas cabezas.

Helenismo (323 a. C. a 31 a. C.)Del siglo III al siglo I a. C.

Tras la muerte de Alejandro Magno la escultura experimentó importantes cambios que obedecían a transformaciones políticas y sociales y a la búsqueda de nuevas formas de expresión.

Una vez conseguidos el virtuosismo y la perfección técnica, los artistas se lanzan a la búsqueda de nuevos temas (cotidianos, extranjeros, grotescos,…) y al interés por representar emociones y estados de ánimo que suponen un alejamiento del idealismo de la época anterior.

Abundan las esculturas pero por lo general se desconocen la fecha y el autor.

La escuela de Atenas es la más tradicional, continúan haciéndose obras de imitación de Scopas, Praxíteles y Lisipo, como el Pugilista o el Torso de Belvedere. La influencia clásica también es visible en la Venus de Milos.

La escuela de Rodas destaca por sus obras barrocas llenas de movimiento como la colosal Victoria de Samotracia, representación alada de la Niké antigua, concebida aquí con soberbio naturalismo. Se apoya en la proa de un navío, que levanta a la estatua y la hace más airosa. Los pliegues se ciñen, transparentes, al bellísimo cuerpo, ondeando por los lados como pabellón marinero.

El grupo de Laoconte nos recuerda el pathos scopásico. Es una obra del siglo I a.C. y es toda una síntesis de las tendencias helenísticas. La obra representa el momento en que dos serpientes se enroscan al cuerpo de Laoconte y sus hijos castigados por Poseidón por recelar del caballo de Troya. Por lo tanto el tema de la obra es la representación del dolor. Es maravillosa la unidad de líneas, la unidad psicológica y la unidad plástica de esta composición.

La escuela de Pérgamo. Pérgamo era la capital de un sólido imperio helenístico en el Asia Menor. Entre sus obras importantes están las representaciones de los galos o gálatas, pueblo bárbaro que intentó invadir el imperio. Pero la gran creación de Pérgamo es el Altar de Zeus y Atenea erigido en el siglo II a. C. El tema elegido para decorar el friso del altar es la gigantomaquia (lucha de los dioses contra los gigantes). La técnica escultórica revela la influencia de Scopas, en esas caras de mirada visionaria y boca anhelante.

La escuela de Alejandría fue uno de los núcleos fundamentales de este periodo. Allí el paisaje antropomórfico griego logra una de sus más características representaciones en el famoso grupo del Nilo.

La Arquitectura Egipcia

2011-05-08T11:52:00.000-07:00

1. Introducción

2. Características de la arquitectura egipcia. Sistemas constructivos

3. Principales construcciones: las tumbas y los templos.

4. Cronología y construcciones representativas.

1. Introducción

La cultura egipcia es una cultura milenaria que se desarrolló en torno al río Nilo. Sus habitantes se dedicaban básicamente a la agricultura favorecida por las inundaciones periódicas del río.

A lo largo de su historia se sucedieron treinta dinastías de faraones. A partir del año 621 a. C. fueron invadidos por los asirios comenzando un periodo de decadencia y sumisiones sucesivas. Después los persas, los griegos, los romanos, Bizancio y los árabes dominaron el país.

El arte egipcio es esencialmente religioso y funerario, marcado desde su origen por la muerte, de la que constituye uno de los elementos rituales. Es un arte sagrado, propio de un imperio teocrático donde el elemento unificador del Imperio es el faraón, hijo divino de dios, cabeza de la administración, la religión, la guerra y la justicia. Su función principal es reverenciar a un dios encarnado en un hombre (el faraón) y al resto de los dioses que ordenaban la existencia de la humanidad.

La religión egipcia es politeísta. El culto a los dioses y las creencias en la vida de ultratumba afectaron a todas las manifestaciones artísticas y, en espacial, a la arquitectura; sobre todo a las moradas de los difuntos. La creencia en la inmortalidad del alma justifican las dos grandes manifestaciones arquitectónicas del arte egipcio: los templos y las tumbas.

2. Características de la arquitectura egipcia. Sistemas constructivos

· Arte colosal y desmesurado

· Material de construcción: grandes sillares de piedra

· Arquitectura arquitrabada o adintelada de techos planos

· Arte Tradicional, reflejo de una sociedad rígida y conservadora, reacia a la evolución y a influencias exteriores.

· Arte religioso y funerario

· Uso abundante de columnas con capiteles variados:

3. Principales construcciones: las tumbas y los templos

Las tumbas eran consideradas la morada del difunto hasta su paso a la vida eterna. A lo largo de la historia fueron evolucionando. Podemos distinguir tres tipos de tumbas:

Mastaba: Son las más antiguas, utilizadas por los faraones de las primeras dinastías. Tienen forma de pirámide truncada y suelen tener tres estancias: capilla (con la mesa de ofrendas), serdab (contenía el ajuar y una estatua del muerto) y cámara mortuoria.

Pirámide: Los mejores ejemplos son las tres pirámides de Guizhé, pertenecientes a Keops Kefrén y Micerinos, faraones de la IV dinastía.

Hipogeo: tumba rupestre que constan de una o varias cámaras rectangulares, a las que se accede por una cámara de pilares o columnas a modo de pórtico.

El templo no tiene una función funeraria sino simplemente devocional, es decir alberga la figura de un dios y sirve de receptáculo a los ritos en su honor.

La religión politeísta egipcia, con su numeroso panteón, extendió sus creencias por doquier, imponiendo la construcción de templos para su culto.

Los templos trataban de influir psicológicamente en el fiel, rodeado de espacios con alturas de hasta 20 m ampliamente iluminados al principio y sumidos casi en la oscuridad a medida que nos adentramos en el templo.

La ordenación seguía un eje en profundidad que definía un camino litúrgico desde lo mundano a lo sagrado u oculto.

1. Avenida de las esfinges

2. Pilones

3. Sala hípetra

4. Sala hipóstila

5. Santuario o sala de la barca

Un tipo de templo especial serán los speos: templo excavado en la roca con una fachada monumental.

4. Cronología y construcciones representativas

Periodo Arcaico

Las construcciones más antiguas son las mastabas, tumbas en forma de tronco de pirámide.

En su interior se encontraba una sala para las ofrendas, una capilla con la imagen del difunto y bajo tierra el lugar donde se encontraba la tumba. Se construyeron en torno al año 3000 a. C. para enterrar a sacerdotes, nobles y faraones. Mastabas del valle de Sakkara.

Imperio Antiguo

En el Imperio Antiguo, los faraones empezaron a demandar tumbas más complejas que les distinguiesen de los grupos inferiores. Así surge la primera pirámide escalonada de Sakkara, construida por el arquitecto Imhotep para el faraón de la tercera dinastía Zoser.

El siguiente paso es la pirámide lisa, cuyos mejores ejemplos son las pirámides del valle de Gizeh para los faraones de la cuarta dinastía: Keops, Kefrén y Mikerinos. La más grande es la de Keops que encierra dos cámaras funerarias en su interior. Al pie de la pirámide se construyen con frecuencia templos. A la cámara funeraria se llega a través de un angosto corredor cegado tras el entierro. Por todos lados se ponían puertas falsas para impedir el acceso y violación de la cámara mortuoria. Dentro quedaban encerrados los objetos que permitiría la vida de ultratumba al monarca.

Imperio Medio

La arquitectura del Imperio Medio presenta la novedad de los hipogeos, enterramientos excavados la roca. La construcción más notable es el Templo funerario de Mentuhotep II en Dayr al-Bahari. Mentuhotep II creó un nuevo tipo de monumento funerario: templo con pirámide, rampas de acceso y patios porticados.

Imperio Nuevo

En el Imperio Nuevo, las construcciones más importantes serán los templos. Destacan: Luxor, Karnak, el templo de la reina Hatshepsut en Dayr al-Bahari (levantado junto al de Mentuhotep II construido cinco siglos antes) y los templos rupestres (speos) de Abu Simbel.

Época Tardía

Las últimas dinastías, asumen las influencias del arte griego y romano que se traducen en la reducción del tamaño de los templos. Uno de los últimos grandes templos que se construyeron en Egipto es el Templo de Horus en Edfú, el más completo de los templos greco-romanos, su construcción duró 180 años. Es el templo mejor conservado de Egipto y el más importante después del de Karnak. Mide 137 metros de longitud y presenta la típica construcción de los templos con el pilono, el patio, 2 salas hipóstilas, una cámara de ofrendas, la sala central y el santuario.

El trecento italiano

2011-05-07T23:46:00.000-07:00

La decoración bizantina a base de mosaico que tanto se había utilizado en el arte románico italiano se conservó hasta entrado el siglo XIII pero, poco a poco, los artistas italianos del siglo XIV (Trecento) se van a ir liberando de esta tradición para otorgar a sus figuras cada vez más dinamismo y vitalidad en un intento de empezar a asumir conceptos como volumen y perspectiva, creando un estilo que supone la antesala del Quattrocento.

Podemos hablar de dos escuelas que se destacan del panorama general de este periodo, las de las repúblicas de Siena y Florencia.

El precursor de este cambio en Siena será el Duccio, autor del retablo de la Maestá de la catedral. En el panel central de dicho retablo, que representa a María con el niño Jesús en presencia de distintos santos, Duccio supera la tradición bizantina mediante miradas expresivas en vez de rostros estilizados, y ropajes sinuosos en vez de pliegues acartonados.

Simone Martini (1283-1344), probablemente discípulo de Duccio. Realiza figuras blandas y naturales, de elegante belleza lineal con rico cromatismo y abundancia de oros.

Natural de Siena se traslada a Aviñón a la corte papal donde su pintura influyó decisivamente en el estilo gótico internacional.

Su obra más famosa, la Anunciación (1333) fue un encargo de la catedral de Siena para acompañar a la Maestá de Duccio y se encuentra actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia.

En Florencia trabaja Cimabue pero el artista que realmente revolucionará con su obra la evolución de la pintura será el Giotto (1270-1337), Pintor y arquitecto florentino discípulo de Cimabue. Su estilo inaugura la tridimensionalidad en el arte italiano cortando con la tradición bizantina. Su obra se caracteriza por el uso de figuras dotadas de monumentalidad y volumentría integradas perfectamente con el paisaje del fondo dando un sentido unitario a la escena. Pero su principal innovación será su interés por humanizar a sus personajes a través de la expresión de los sentimientos.

El realismo del Giotto fue apreciado ya en vida del pintor, haciéndole famoso y solicitado en toda Italia.

Su obra principal serán los frescos que decoran la Capilla Scrovegni de Padua (1305-1306). En las paredes laterales se representa la vida de la Virgen y se Jesús narrada en distintas escenas que se disponen en bandas horizontales. El conjunto se completa con una anunciación en el arco triunfal de acceso al ábside y un grandioso juicio final en la pared opuesta.

Picasso

2011-05-07T01:07:00.000-07:00

Pablo Ruiz Picasso. 1881-1973

Picasso es probablemente el artista más famoso y prolífico del siglo XX. Nace en Málaga, su padre era profesor de Bellas Artes. Tras una estancia en Barcelona, el joven Picasso llega a París donde alcanza su madurez artística. Su larga trayectoria estuvo marcada por su genial personalidad y su espíritu libre e independiente que hace difícil clasificar su obra. Su amplia producción abarca no sólo gran variedad de estilos sino también de técnicas (pintura, escultura, grabados, cerámica).

A pesar de su creatividad que le lleva e estar en constante evolución podemos dividir su producción en seis etapas:

1. Realista y academicista

Demuestra su corrección académica y su técnica realista en cuadros como La Primera Comunión o Ciencia y Caridad.

2. Etapas azul y rosa

Etapas de juventud caracterizadas por una paleta centrada en los tonos azul primero y luego rosa con cuadros de temas meláncólicos y circenses.

La vida. 1903 (Etapa azul)

Cuadro representativo de la "etapa azul", en la que nos presenta personajes-tipo de la miseria humana: figuras esqueléticas, alcohólicos, mendigos, prostitutas.

Los colores azules y formas alargadas (influencia del Greco) contribuyen a la frialdad que transmite.

La familia de Saltimbanquis. 1905 (Etapa rosa)

Como transición a la "etapa rosa" ya con temas y expresiones más alegres, Picasso trabajó numerosas obras sobre el tema del circo y los saltimbanquis. Este cuadro todavía tiene la melancolía en las caras de los personajes, pero el trazo, los colores y la pincelada denotan otro espíritu más alegre y dinámico.

3. El Cubismo

El cubismo nace en 1907 de la mano de Picasso y Braque que inventan un nuevo lenguaje que intenta simplificar la realidad y reducirla a volúmenes geométricos y formas planas.

Su antecesor directo será Cézanne.

Las señoritas de Avignon, 1907.

Óleo sobre lienzo

Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente.

Imprime un nuevo lenguaje donde elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces.

La suavidad y delicadeza con que tradicionalmente se trataba el desnudo femenino se transforma bruscamente en planos y ángulos de una dureza no comprendida para los críticos de la época.

Desaparece la perspectiva y el fondo se convierte en una sucesión de planos de color. Este es el primer ejemplo de este nuevo estilo que seguirían muchos otros artistas.

Tema:

También el tema produce polémicas, ya que en los dibujos previos aparecen personajes masculinos - un marinero y un estudiante - que desaparecen en el lienzo definitivo. Es posible que sea la evolución de un anterior cuadro de la "época rosa", "El Harén", y el tema sea una visión de un prostíbulo. En "El Harén" aparecen hombres y en "Les Demoiselles Dávignon" decide poner sólo mujeres "en un escaparate", haciendo que el espectador participe activamente en el cuadro y no sea un mero contemplador.

A pesar de su aspecto descuidado, no es un cuadro improvisado, sino que para su realización hizo muchos bocetos y estudios. Es, además, un cuadro muy grande y trabajado.

El esquematismo de las máscaras africanas seguirá interesando a Picasso en obras inmediatamente posteriores a las señoritas de Avignon. Los volúmenes de las figuras humanas y de los objetos cada vez van adquiriendo un aspecto más geométrico y lineal.

En mayo de 1809 Picasso va a Barcelona a visitar a la familia y viejos amigos; Posteriormente se trasladaron a Horta de Ebro, once años después de su primera visita. Allí pintó seis grandes paisajes.

Son los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.

El cubismo sintético: Poco a poco los planos se hacen más grandes y aparecen referencias de la realidad, siempre geométricas: cuerdas de guitarra, letras... Los temas son alegres y lúdicos.

En 1913 Picasso hace otra aportación genial a la pintura: el collage. Comienza a incluir en sus cuadros trozos de realidad, periódicos, revistas, maderas, tela, etc. Este será el camino que sigan muchos artistas posteriores.

En el cubismo sintético las formas son más reconocibles, pero se ha llegado a una absoluta objetividad de la obra de arte.

4. Clasicismo

Después de la primera guerra mundial el mundo artístico regresa a un concepto más clásico y real de sus obras. Se produce una vuelta a la figuración en el que la figura humana toma nuevamente relevancia. Picasso no es ajeno a estas tendencias y este cuadro es prueba de ello.

Las figuras y el escenario con grandes bloques de piedra recuerdan el clasicismo griego, pero con la luz, el cielo y el mar del Mediterráneo. Además Picasso sigue realizando obras cubistas, su genio creador no le deja retroceder, sigue evolucionando e innovando.

5. Influencia surrealista y expresionista

Rompe con la tranquilidad de la éopca anterior para introducir retratos más violentos y personajes oníricos.

El Guernica. 1937

Óleo sobre lienzo.

Museo Reina Sofía, Madrid.

Probablemente la obra cumbre de Picasso, y es una referencia obligada del arte y la cultura occidental.

Se trata de un encargo del gobierno republicano que, durante la guerra civil española, solicitó a Picasso con el fin de presentarlo en la exposición de París y ganar adeptos para su causa.

El motivo del Guernica es el bombardeo que el 26 de abril de 1937 la aviación alemana hace, en un día de mercado, sobre la población de Guernica (Vizcaya), dejándola virtualmente en ruinas. Los periodistas internacionales relatan inmediatamente las escenas de un drama que conmocionó al mundo. Este es el primer bombardeo aéreo indiscriminado sobre la población civil de la historia.

La elaboración del Guernica se gesta en una serie de obras dibujadas y grabadas en las que se crean los tipos y los personajes que aparecerán en el cuadro. Todas ellas expresan el horror humano, como lo hiciera Goya en Los desastres de la guerra.

Esta tarea le lleva cinco meses, pero algunos cuadros de la serie se pintan una vez terminado: Mujer llorando, Mujer gritando. Hizo muchas rectificaciones del proyecto original, hasta deshacerse de todo barroquismo y teatralidad, y dejarlo en lo esencial de la tragedia humana. El cuadro se expuso el 4 de junio en el pabellón de España de la Exposición Internacional de las Artes y la Industria de la Vida Moderna, en París, y causo una profunda impresión.

Picasso jamás explicó el Guernica, ni sus símbolos. Es un cuadro que habla por sí mismo. Pero es necesario hacer un esfuerzo de interpretación. El aspecto general pertenece al cubismo sintético en blanco y negro.

En el Guernica no hay un solo personaje varón que pueda considerarse de carne y hueso, lo que hay en el suelo es una estatua. Sin embargo, se multiplican por cuatro las mujeres, y hay un niño muerto. Está la madre desesperada por la muerte de su hijo, una mujer desgarrada, una incendiada y otra perpleja.

El caballo desbocado es la guerra, el símbolo de la guerra que lleva un obús en la boca. Las casas arden en el interior, lo que es una agresión a la intimidad.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

La esperanza surge de una flor que crece desde la espada rota que hay en el suelo.

Todavía queda mucho por interpretar del Guernica. La lámpara eléctrica incrementa el espanto de la destrucción, de una tecnología que puede servir para mejorar la vida humana o para destruirla. El toro es el símbolo de lo ibérico y la representación del propio pintor, que como un dios ajeno a la escena mira de frente.

Todo el cuadro es un desarrollo expresivo del horror.

El Guernica expresa el horror de la guerra por encima del drama de España.

Finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano el Guernica no volvió a España, ya en manos fascistas, sino que viajó al M.O.M.A. (museum of modern art) de Nueva York. Por deseo expreso Picasso, el cuadro no podría volver a España hasta que nuestro país fuese una democracia.

6. Etapa independiente

Picasso es reconocido en vida como un pintor excepcional, gozando de una fama que le permite crear libremente y sin estar pendiente de las modas y las tendencias.

A mediados de los años 50 Picasso comienza a realizar estudios de los clásicos y realiza "series" de grandes cuadros de la historia del arte: "Las Meninas” de Velázquez, "Desayuno en la hierba" de Manet o "El rapto de las Sabinas" de David.

En sus últimas obras sigue manifestando una creatividad desbordante que le permite una evolución constante y le convierten en el pintor más importante del siglo XX.

Las vanguardias históricas

2011-05-06T22:24:00.000-07:00

Las vanguardias históricas: Artes aplicadas en la primera mitad del siglo XX

1. Fauvismo y expresionismo

2. Cubismo y futurismo

3. Los inicios de la abstracción

4. Dadá y surrealismo: Miró y Dalí

Introducción

La sucesión más dinámica de los estilos artísticos durante el siglo XIX (Romanticismo, Realismo, Modernismo, Impresionismo) se acentua más en el siglo XX, carazterizado por una ronovación constante en el terreno artístico y la búsqueda sucesiva de nuevos lenguajes creativos: El fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el dadaismo, el surrealismo y los diferentes movimientos abstractos constituyen un conjunto de iniciativas que apuestan por el cambio, la novedad, el espíritu de investigación y el interés por lo moderno.

FAUVISMO

El fauvismo cosntituye el primer movimiento de vanguardia. Sus artistas se dieron a conocer en el Salón de Otoño de París en 1905, en el que la crítica los llamó “fauves” (fieras). Es un grupo bastante heterogéneo con una existencia muy efímera.

Sus precursores serían la pintura de Van Gogh y Gaugin

Características:

Uso arbitrario del color de forma enérgica y exaltada.
Gusto por las formas primitivas (influencia del arte oriental y africano).
Superficies planas y poco interés por la perspectiva.

Pintores:

Derain es considerado junto con Matisse el iniciador del fauvismo. Fue gran amigo de Picasso con quien vivió un tiempo en Montmartre.

Henri Matisse es el más famoso pintor del movimiento. Le interesa sólo el esquema plano del cuadro, con colores muy vivos y con un desprecio total de la naturaleza que representa. Prescinde conscientemente de toda ambientación o simulacro de perspectiva, para obtener unas superficies brillantesmente decorativas. Obras: Madane Matisse con franja verde. La Danza.

Vlaminck es quizás el pintor fauvista cuyos cuadros tienen mayor fuerza. A la violencia de su colorido une una pincelada densa, vigorosa y vehemente. Su amistad con Derain le llevará a conocer y acercarse a la obra de Van Gogh que le influirá en el colorido y la estética de sus obras. Junto a Derain forman un estudio donde ambos pintan y conviven creando una buena amistad. Con anterioridad, Vlaminck siempre destacó por ser un pintor autodidacta, alejado de las academias.

EXPRESIONISMO

Con el término expresionismo se denomina una forma de hacer y entender el arte basada en el predominio de la comunicación y la expresión de sentimientos profundos sobre los aspectos formales. Es decir, renuncián a lo decorativo a favor de la expresión.

Surge en el contexto de las primeras décadas del siglo XX y es una arte que refleja la gravedad de la situación mundial ante la cual los artistas no pueden quedar impasibles.

Sus precursores serán: Goya (las pinturas negras), Van Gogh y Munch.

El expresionismo surge en Alemania y podemos agrupara a sus artistas en torno a dos grupos:

Die Brücke (el puente). Surge en la ciudad de Dresde. Estos artistas traducen el clima de tensión prebélica en un vocabulario plástico de gran dureza formal, caracterizado por la agresividad de la línea y el énfasis en las deformaciones y el color.

Pintores:

Kirchner estudiante de arquitectura es Dresde es uno de los fundadores de este movimiento.

Der Blaue Reiter (el jinete azul). Surge en la ciudad de Munich y su desarrollo se ve truncado por el inicio de la Primera Guerra Mundial. Su orientación es distinta de los otros expresionistas. Su aspiración era hacer visible la experiencia del mundo interior y de la vida espiritual que la sociedad tendía a silenciar.

Pintores:

Franz Marc

Kandinsky: ante el ambiente materialista de la época, propone unas obras que se alejan progresivamente de los referentes objetuales hasta llegar a su desaparición (arte abstracto).

EL CUBISMO

El punto de partida del movimiento se situa en París, en el Salón de Otoño de 1907, a raiz de una exposición retrospectiva de Paul Cezánne que causó honda impresión en un colectivo de artistas encabezados por Pablo Picasso y Georges Braque.

Su precursor por tanto será Cezánne y su capacidad de pintar siguiendo una lógica interna, basada en el tratamiento de la naturaleza por medio del cilindro, la esfera y el cono, y la construcción de las formas a partir del color.

Características:

Deconstrucción o fragmentación de la realidad en múltiples planos que se articulan en un sistema de líneas y ejes estructurales.
Representación en el cuadro de múltiples puntos de vista que se representan de forma dinámica y simultánea.

Desarrollo:

Cubismo analítico: desarrollado por Braque y Picasso entre 1909 y 1911. Interacción de la figura y el fondo mediante planos y transparencias. (el resultado se asemeja a un espejo roto).

Cubismo sintético: se desarrolla entre 1911 y 1914 y se inicia con el uso del colage (papeles y otros materiales pegados sobre la obra). Se reducen los planos a los elementos esenciales y se incorporan elementos de la realidad objetual.

Pintores:

Picasso es probablemente el artista más famoso y prolífico del siglo XX.

Nace en Málaga, su padre era profesor de Bellas Artes. Tras una estancia en Barcelona, el joven Picasso llega a París donde alcanza su madurez artística. Su larga trayectoria estuvo marcada por su genial personalidad y su espíritu libre e independiente que hace difícil clasificar su obra. Su amplia producción abarca gran variedad de estilos . Junto con Braque se le considera el creador del cubismo.

Las señoritas de Avignon. Óleo sobre lienzo 243,9 x 233,7 cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerados por muchos como el primer cuadro cubista, muestra la fascinación que sentía Picasso por el arte africano que le hace alejarse de la tradición grecolatina, de su perspectiva y de sus cánones de belleza, para incidir en la energía y el ritmo de los planos cortados, la esquematización geométrica, la fragmentación, el abocetamiento y el contraste de acabados.

Braque y Juan Gris, estrechamente unidos a Picaso y cofundadores del cubismo brillaron a la misma altura que él.

Juan Gris, madrileño, es de los tres el que por su corta vida tiene una obra menos extensa; pero es quizás el que logró más limpieza y elegancia en las composiciones y en el color.

EL FUTURISMO

El futurismo nace en Italia en 1909. Entre sus aportaciones destacan su carácter vital, joven y agresivo. Defendieron con radicalidad la liquidación de los vestigios del pasado (la tradición, las ruinas, los museos, las academias,…) para proponer un arte basasado en el dinamismo y la velocidad de la sociedad moderna.

Pintores:

Umberto Boccioni. Formas únicas de continuidad en el espacio.

EL DADAISMO

Surge en Zurich en 1916 de la unión de un grupo de artistas recluidos en esta ciudad a causa de la Guerra que se juntan en un cabaret de la ciudad llamado Cabaret Voltaire.

La palabra dadá no tiene significado. Contrarios a todos los sistema y teoría, los dadistas no reconocen las formas de producir y entender el arte convencionales. Sus obras se defininen como antiartísticas y muestran una radical negación y protesta contra lo establecido.

Pintores:

Tristan Tzara

Marcel Duchamp. Fuente. Profundamente nihilistas, anarquistas y antimilitaristas, otrogan al azar, a la discontinuidad y a la provocación un gran valor, que se pone de manifiesto en sus realizaciones.

EL SURREALISMO

Nace en la primera posguerra y tras el impacto del nihilismo y las propuestas dadaistas se convertirá en el movimiento de mayor relieve hasta finales de los años treinta. A él se abscriben artistas de muchos países y estilos personales diferenciados.

Sus obras intentan mostrar facetas de la imaginación, de lo desconocido o del mundo de los sueños.

Como precursores podríamos citar la obra de El Bosco o Archimboldo o las pinturas de la Quinta del sordo de Goya.

Desarrollo:

A dos tendencias dentro del surrealismo, una que tiende a la abstracción y otra al realismo: Surrealismo automatista y surrealismo onírico.

Pintores:

Joan Miró: reprsentante del automatismo, en sus obras parte del azar y de la disposición del material sobre la tela que le va sugiriendo formas que va manipulando hasta crear figuras.

Max Ernst y Magritte: apostaron por la figuración y el ilusionismo de la pintura, con obras de enorme potencial poético y visual.

Salvador Dalí: incorporado al surrealismo en los años veinte, Salvador Dalí es uno de esos artistas para los que el mundo de los sueños como reflejo del mundo interior, adquiere gran protagonismo.

Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública.

Entre sus obras podemos destacar: La persistencia de la memoria o el gran masturbador.

Historia Imperio Romano (Cronología)

2011-05-06T14:03:00.000-07:00

Cronología Imperio Romano

753 a.C.

Fundación Rómulo y Remo. (Monte Palatino)

Monarquía

Siglo VII y VI a.C.

Viven bajo el dominio de los reyes etruscos y se integran en su cultura. INFLUENCIA ETRUSCA

509 a.C.

Rebelión de los romanos contra Tarquino el Soberbio, último rey de Roma.

República

Siglo V a.C.

Personalidad propia y voluntad hegemónica.

(Periodo de guerras civiles, crisis y conquistas)

Contacto con el helenismo. INFLUENCIA GRIEGA

Siglo II a.C.

Vencen a los cartagineses y a los macedonios.

Se convierten en la mayor potencia del Mediterráneo.

Empiezan a desarrollar un ESTILO PROPIO que no se limita a imitar y reproducir modelos griegos.

60 a.C.

Primer Triunvirato: Julio César, Pompeyo y Craso se reparten el control del gobierno romano.

49 a.C.

Guerra civil entre César y Pompeyo.

48 a.C.

Ascenso de Julio César: César se convierte en dictador, emperador, cónsul, pontífice máximo y jefe supremo del ejército. Construcción del Circo Máximo.

44 a.C.

César es asesinado.

43 a.C. Segundo Triunvirato: Marco Antonio, Octavio y Lépido.

Tras el vacío de poder por la muerte de César, lucha de poder entre Octavio y Marco Antonio.

31 a.C.

Marco Antonio y Cleopatra son vencidos por Octavio Augusto. FIN DE LA REPÚBLICA

Imperio

Alto Imperio: Principado

27 a.C.

Augusto es nombrado Emperador

DINASTÍA JULIO CLAUDIA

13 a.C.

Se declara la Pax Augusta

Augusto es nombrado Pontífice Máximo.

Ara Pacis (13 a.C.)

Teatro de Marcelo (11 a.C.)

Siglo I

Tiberio

Calígula

Claudio

Nerón. Incendio de Roma (año 64)

Año de los cuatro emperadores

DINASTÍA FLAVIA

Vespasiano. Tito conquista Jerusalén

Tito

Domiciano

Coliseo de Roma

Arco de Tito

Siglo II

DINASTÍA ANTONINA

(Periodo de máximo esplendor de Roma)

Nerva

Trajano

Conquista de la Dacia

Foro Trajano

Columna Trjana (114)

Adriano

Abandona las campañas de Trajano

Reconstrucción del Panteón de Agripa (125)

Villa Adriana

Antonino Pío

Marco Aurelio

Guerras germánicas

Fin de la Pax Augustea (166)

Cómodo

Siglo III

(Empieza la época de decadencia)

DINASTÍA DE LOS SEVEROS

Septimio del Severo

Arco de Septimio

Caracalla

Termas de Caracalla

235 al 284

ANARQUÍA MILITAR: Etapa de los emperadores militares.

Periodo de gran desorden en el imperio y de guerras por conseguir el trono imperial.

Bajo Imperio: Dominado

284

Diocleciano

Reorganización militar y administrativa

TETRARQUÍA

Guerra civil entre Majencio y Constantino

Basílica de Majencio

Siglo IV

Constantino

Traslado de la capital del Imperio a Constantinopla

Reconocimiento de la religión cristiana

Arco de Constantino

395

FIN DEL IMPERIO

Teodosio

Divide el imperio entre sus dos hijos:

Honorio (Occidente) y Arcadio (Oriente: Bizancio)

Siglo V

402

Honorio traslada la capital del imperio de Occidente a Rávena por motivos defensivos

406

Comienzo de las invasiones bárbaras en Occidente

Mausoleo de Gala Placidia (425-430)

476

CAÍDA DEL IMPERIO ROMANO DE OCCIDENTE

Rómulo Augusto

Último emperador romano.

Puro teatro

2011-05-05T12:48:00.000-07:00

A pesar del frío que a veces pasamos, siempre merece la pena

Todos los años me pasa lo mismo; siempre hay un momento más o menos a finales de enero que pienso: pero por qué me complico yo la vida y pierdo el tiempo con esto del teatro; con lo a gusto que estaría los viernes por la tarde en mi casa o en el cine o tomando algo en lugar de estar con esta panda de inconscientes que son mis alumnos del teatro.

Suele ser el tercer viernes después de que me puse como un energúmeno porque Rubén y Sergio vinieron sin saberse el papel y tres viernes después seguimos más o menos en la misma dinámica; más o menos la semana que tengo la crisis de creatividad y no acabo de visualizar un decorado que merezca la pena, suele coincidir además en esa semana que a uno de los actores sus padres le castigan sin poder hacer teatro por haber suspendido cinco (que genial idea castigar a un estudiante negándole una actividad cultural).

Pero después, cuando se acerca la fecha del estreno y les propongo que tienen que ir a ensayar los sábados y nadie protesta por que les parece estupendo o cuando les digo que tenemos que quedar el fin de semana para hacer decorados y se apuntan una docena de ellos sin protestar ni poner malas caras (aunque creo que esto lo hacen porque les invito a desayunar en el VIPS) y, sobre todo, cuando el día del estreno veo como se ayudan unos a otros con el maquillaje, con los peinados, con los trajes, los sombreros, las espadas y hasta con las pestañas postizas, me doy cuenta que realmente todo el esfuerzo merece la pena y que el único tiempo perdido es el que no dedicas a los demás.

Luego vienen los concursos, los premios y los reconocimientos. Pero cada vez estoy más convencido de que el mejor premio es verles trabajar, ver como se divierten y haber sido capaz de crear un espacio donde cada uno se muestra como es y un ambiente en el que muchos de ellos han conocido a amigos que ya lo serán para siempre.

Así pues me temo que el año que viene tendremos que volver a levantar el telón para, a pesar del frío que pasamos durante el invierno en el salón de actos del colegio, seguir siendo felices.

Comentario EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ

2011-05-05T12:27:00.000-07:00

Localización:

Título: El Entierro del Conde Orgaz

Autor: El Greco

Estilo: Renacimiento- Manierismo español. Siglo XVI

Técnica: Óleo sobre lienzo

Localización: Iglesia de Santo Tomé, Toledo.

Análisis:

El cuadro describe el milagro acontecido durante el entierro del Conde Orgaz, famoso por sus obras de beneficencia que propiciaron que San Agustín y San Esteban se personificaran en el momento de ser enterrado para ser ellos los que le depositaran en su tumba.

La composición se divide en dos partes: en la parte superior observamos una recreación del cielo donde distinguimos en el centro la imagen del Señor y ambos lados a La Virgen María y a San Juan Bautista(Deesis). En la parte inferior observamos como los santos depositan el cuerpo del difunto en presencia de una galería de personajes ilustres de Toledo, entre los cuales podemos distinguir al propio pintor que se autorretrata en este lienzo. El nexo entre las dos escenas es el ángel que traslada el alma del difunto del mundo terrenal al celestial.

El cuadro, uno de los más famosos dentro de la obra del pintor, nos muestra las caracteristicas del arte del greco: sus fondos neutros con escasas referencias espaciales, sus formas alargadas propias de su estilo manierista y su pincelada suelta que desdibuja las formas primando el color sobre el dibujo.

Comentario:

Doménico Theotocopoulos nació en Creta y se formó en Venecia, probablemente con pintores como Tiziano y Tintoreto, de ahí viajó a Roma y finalmente a España con la intención de trabajar para Felipe II en la decoración del Escorial. Para el rey pinta “El Martirio de San Mauricio” pero no consigue satisfacer completamente al monarca por lo que se traslada a Toledo donde creará un taller que le permite atender gran número de encargos, principalmente obras religiosas como “El Expolio de Cristo” (Catedral de Toledo) y retratos, entre los que destaca “El Caballero de la mano en el pecho” (Museo del Prado). En Toledo permanecerá hasta su muerte desarrollando un estilo cada vez más personal que le convertirán en uno de los pintores más singulares de la historia de la pintura.